From 하나뮤직 to 푸른 곰팡이 : 대한민국 최강의 작가주의 음악 공동체

#아래 글은 지난 5월 인천 바텀라인에서 배영수 인천in 기자와 함께 진행한 '동아기획 vs 하나뮤직' 음악 감상회를 위해 작성했던 원고의 오리지널 버전입니다. 고 조동진님을 추모하며, 그리고 9월 16일 푸른곰팡이 연합 공연을 기념하는 의미로 제 블로그에 이 글을 올립니다. 최대한 관련 자료를 종합헤 팩트를 정리하려고 노력했습니다만, 만약 오류가 있다면 지적해 주시면 수정하도록 하겠습니다. (필자 주)

동아기획이 1980년대 한국 언더그라운드 뮤직 씬을 대표했던 레이블이라면, 하나뮤직은 그 언더그라운드 뮤지션들의 ‘작가주의’ 정신을 1990년대로 계승하고 발전시켰던 레이블이라 할 수 있다. 비록 1990년대 이후 주류 가요 시장의 변화는 이러한 지향의 레이블의 생존을 힘겹고 위태롭게 만들었지만, 하나뮤직은 조동진과 조동익이라는 큰 음악적, 정신적 지주 아래에서 2번의 쓰러짐을 겪으면서도 꿋꿋이 그들의 정체성을 지켰고, 이제는 푸른곰팡이라는 새 이름 아래에서 그들의 길을 묵묵히 이어가고 있다. 이 시간에는 그 역사를 크게 네 부분으로 나눠 이야기해 보려 한다. 

Part 1: 하나뮤직의 기틀을 놓은 세 사람, 조동진, 조동익, 조원익

우리가 현재 알고 있는 하나뮤직이 탄생 과정을 이해하기 위해서는 무엇보다 제목에 언급한 세 사람에 대해 알고 갈 필요가 있다. 이 세 명의 음악인들은 마치 ‘삼두마차’를 끄는 세 마리의 말처럼 하나뮤직의 기틀을 닦고 완성하는 데 가장 큰 기여를 한 인물들이기 때문이다. 

(1)조동진

조동진은 하나음악이라는, 그리고 현재도 푸른곰팡이로 이어지는 거대한 음악 패밀리를 형성하게 만든 장본인이자 시조(始祖)이며, 정신적인 지주 역할을 했다. 그는 1970년대 미8군 무대와 여러 클럽 밴드를 거쳤고, 오리엔트 프로덕션에서 전속 작곡/세션으로도 활동했다. 그 리고 한 때는 세시봉 시대의 뮤지션들의 음악 세션을 담당했던 그룹 ‘동방의 빛’(강근식-기타, 이호준-건반, 유영수-드럼, 조원익-베이스)에서 세컨드 기타리스트로 음악 활동을 한 적도 있다. 그러나 그는 군복무관계로 팀을 떠났고, 제대 후에는 강근식의 프로덕션에서 광고음악을 만들기도 했다. 그러던 1979년 [조동진 1]을 발매하고 여기서 <행복한 사람>이 준수한 히트를 거두면서 처음 이름을 알렸다. 

이후 1980년대로 넘어와서 2집 [조동진 2](1980)을 내놓은 후, 그는 그의 음반 제작에 꾸준히 관여했던 오리엔트 프로덕션 직원 출신인 구자영을 통해 동아기획을 설립한 김영 사장과 연결되었다. 그 결과 3집 [조동진 3](1985)는 동아기획을 통해 발매가 되었고, 그를 선배로 따르고 좋아했던 음악인들 – 시인과촌장, 들국화, 등 – 이 동아기획을 자신의 터전으로 선택하는데 그는 나름 기여한 부분이 있다. 그러나 3집 발매 후 1986년 발매한 1,2집의 재녹음 버전(여기의 세션에는 조동익과 이병우, 김광민 등이 참여했다.) 제작 이후에 그는 동아기획과는 서서히 거리를 두기 시작했고, 특별한 일이 있었던 것이기보다는 자연스레 결별의 수순을 밟게 되었다고 조동진 본인은 회고하고 있다.

(2) 조동익

조동진의 동생이었던 조동익은 1984년 겨울 한 후배의 소개로 알게 된 기타리스트이자 송라이터 이병우를 만났고, 그와 금방 친해지면서 함께 그룹 어떤날을 결성했다. 그가 만들어놓은 ‘하늘’이라는 곡의 앞부분에 그가 가사를 붙이면서 두 사람의 송라이팅 공조가 시작되었다고. 이병우가 이미 기타를 잘 쳤기에 그는 그룹 결성 후에는 베이스를 연주하는 것으로 돌아섰고, 1년만의 연습으로 1986년 시인과 촌장의 2집에서 베이스 세션을 맡았다고 한다.

  사실 그는 그 이전부터 집에 있는 4트랙 녹음기로 혼자 노래를 만들고 있었는데, 그렇게 만든 ‘어떤 날’이라는 곡을 형 조동진이 듣고 자신의 2집에 수록할 것을 제안하면서 그의 곡이 처음 프로 가수의 음반에 실리게 되었다. 또한 형이 광고 음악 작업 당시 처음 알게 되어 친해진 들국화의 최성원도 그의 곡인 <너무 아쉬워 하지마>를 듣고 자신이 동아기획에서 기획하고 있었던 [우리 노래 전시회 1](1984)에 듀오 어떤 날을 참여하게 권유했다. 또한 이 옴니버스 앨범 전반의 기타 세션에도 참여했다. 이후 어떤 날은 후속 옴니버스 앨범인 [우리노래전시회 Ⅱ](1987)에서도 <그런 날에는>이란 곡으로 참여했다. (이 곡은 1년 후 어떤 날의 정규 2집 [어떤 날Ⅱ](1988)에도 재녹음되어 실렸다.) 비록 두 장의 앨범으로 그룹 활동은 끝을 맺었지만, 두 사람이 만든 음악들은 포크와 퓨전 재즈에 기반한 깔끔하고 세련된 연주와 편곡, 그리고 관조와 낙관의 감성을 머금은 가사의 매력으로 한국 가요의 수준을 유재하 이후 또 한 번 끌어올렸다고 평가할 수 있다.      

  어떤 날의 해체 이후에 그는 동아기획, 조원익이 개입한 서울음반 등에서 발표된 여러 가요 음반들에서 베이스 세션을 담당했다. 1980년대 말~1990년대 초반의 유명한 가요 음반들 속에서 그의 크레딧을 발견 하는 건 그리 어렵지 않다. 이 과정 속에서 그는 시인과촌장의 멤버였던 기타리스트 함춘호와 꽤 자주 연주 파트너 관계를 맺었고, 여기에 손진태(기타)와 김현철(키보드)이 결합해 완성된 그룹이 동아기획에서 음반이 발매된 프로젝트 그룹 야샤(Yasha)였다.  

  1992년 이전 서울음반에서 발매된 하나뮤직 계열 가수들의 음반에서도 마찬가지였지만, 하나뮤직이 본격적으로 런칭하면서 그는 세션과 편곡 파트에서 하나뮤직 아티스트들의 모든 음반에 관여하면서 레이블의 실질적 프로듀서의 자리를 차지하게 되었다. 그리고 자신의 솔로 1집 [동경](1994)을 통해서 어떤 날이라는 틀의 밖에서도 그는 뛰어난 싱어송라이터임을 증명해 보였다. 1990년대 후반에는 ‘장미빛 인생’, ‘No.3’, ‘내 마음 속의 풍금’ 등의 영화 음악 작곡가로서도 활동영역을 넓혔다. (이 때의 곡들을 하나로 모아 정리한 음반이 솔로 2집 [Movie]다.) 어쨌든 하나뮤직의 음악적 내용의 총지휘자로서 그가 갖는 위치는 현재 푸른곰팡이에서도 유효하다. 

(3) 조원익(+ 유재하 음악 경연대회/우리노래전시회 4)

  조원익은 앞서 조동진 부분에서 설명했듯 1970년대 밴드 동방의 빛의 베이시스트로 음악 활동을 시작했다. 그러나 이 밴드가 끝난 이후에는 뮤지션으로 특별한 활동의 기록은 찾아보기 힘들다. 그러나 조동진과는 계속 연이 닿아있었다. 결국 그가 서울음반 문예부장을 맡게 된 이후, 조동진은 동아기획을 떠나서 서울음반 쪽으로 자신과 어떤 날의 발매 루트를 옮기게 되었다. (어떤 날 2집 [어떤날 Ⅱ](1988)과 조동진 4집 [조동진](1990)) 그리고 동아기획 쪽으로 음반 데뷔를 했던 장필순의 3집 [이 도시는 언제나 외로워...](1992) 등의 음반들도 서울음반을 통해 공개되었다.

  

  

한편, 서울음반이 1989년부터 시작된 ‘유재하 음악 경연대회’(조동진은 이 대회의 1회 심사위원으로 참여했다)의 본선 기념 음반을 제작하게 되면서 조원익은 조동익과 그의 음악적 세션 동료들을 불러 참가곡들의 편곡을 의뢰했다. 이것을 계기로 조규찬, 고찬용, 정혜선, 박인영 등 이 대회의 입상자들은 조동진-조동익이 주도한 음악적 공동체의 ‘젊은 피’로 자연스럽게 합류했다. 한편, 포크 계열의 아티스트들 가운데 서울음반에서 앨범을 내면서 조동익과 그의 세션 동료들의 도움을 받으며 그들에게 이끌린 동물원의 멤버들(김창기, 김광석, 유준열 등)도 이후 하나뮤직의 타이틀을 달고 음반을 냈건 그렇지 않건 이 공동체와 많은 교류를 가졌다. 

  이 지점에서 우리가 한 번 주목해 봐야 할 앨범이 바로 동아기획과 하나뮤직의 마지막 교차점이었던 옴니버스 앨범 [우리노래 전시회 4](1991)다. 역시 최성원의 기획으로 완성된 앨범이지만 음반은 동아기획 라벨이 아닌 서울음반을 통해 나왔다. 편곡 역시 조동익이 주도하고 있으며, 동아기획 쪽의 주찬권과 16년 차이가 참여하고 있지만 조동익, 고찬용과 낯선사람들, 박인영, 김창기의 곡들이 앨범의 중심임을 확인할 수 있다. 동아기획이 1990년대로 넘어와 1980년대의 ‘음악 공동체’의 모습보다는 좀 더 메이저 레이블의 운영 체제로 변화해가기 시작했던 것에 비한다면 하나뮤직은 바로 동아기획이 1980년대에 가졌던 그 정체성을 그대로 계승하는 모습을 갖춰갔다고 할 수 있다.  

  이렇게 조동진과 조동익의 울타리 안으로 여러 아티스트들이 모여들게 되었을 즈음에 두 사람에게 모 대기업이 자본 투자를 제의했고, 그것을 바탕으로 마침내 1992년 하나뮤직은 공식적 음악 레이블로 출범하게 되었다. 조원익은 그 시점에 조동진의 부탁으로 서울음반에서 나와 1990년대 중반까지 실질적으로 하나뮤직이 음반사로서의 실질적인 운영을 맡게 되었다. 조동진과 조동익 모두 비즈니스적인 측면에서는 특별한 능력을 갖춘 사람들은 아니었기에, 제작자로서의 조원익의 경험과 활동은 음반 레이블로서의 하나뮤직엔 꽤 중요한 부분이었다. 

Part 2. 하나뮤직 1기(1992~1995) : 1990년대 포크와 퓨전 팝의 산실

  조동진의 2003년 인터뷰에 근거하면 하나뮤직의 탄생에는 놀랍게도 ‘대기업 자본’이 결정적 기여(?)를 했다고 한다. 바로 선경 그룹(현재의 SK)에서 운영했던 SKC가 (자신들이 당시 국내 음반사들의 CD를 직접 제조하고 있었기에) 소프트웨어를 만들어 줄 프로덕션을 만들어볼 것을 조동진과 조원익에게 제안을 했던 것이다. 두 사람 역시 ‘우리 생각으로 우리가 주축이 되서 프로덕션을 하나 만들어서 우리 입맛에 맞는 음반들을 만들어 보는’ 꿈을 갖고 있었기에 일은 빠르게 진행되었고, 이것이 바로 우리가 아는 하나뮤직 레이블의 공식적 출발점이다.

  실질적인 레이블로서의 하나뮤직의 첫 음반은 제 1회 유재하음악경연대회에서 은상을 차지하며 하나뮤직의 식구로 들어온 정혜선의 1집이었다. 그리고 이후 조동익과 이병우의 솔로 음반들 외에도 장필순, 이무하, 한동준, 권혁진 등의 포크 계열 뮤지션들, 김광민, 정원영, 낯선사람들과 같은 퓨전 계열 뮤지션들이 하나뮤직을 통해 음반을 발표했다. (조규찬의 경우는 분명 하나뮤직의 식구였던 것은 맞지만, 정규 1집부터의 매니지먼트는 다른 곳이었기에 애매한 위치에 있다.) 그 밖에 에이틴(A-Teen)이라는 록 밴드, 그리고 역시 유재하음악경연대회 우승자인 유희열이 만든 토이(Toy)의 1집, 심지어 클래식 작곡가 이건용의 라이브 음반도 하나뮤직을 통해 발매되었다. 

  한편, 이 시기에도 조동익과 그의 세션 밴드 팀(함춘호(기타), 윤영배(기타), 박용준(키보드), 김영석(드럼) 등)은 킹 레코드 쪽으로 음반을 내놓은 포크 계열 아티스트들의 음반에서 중요한 역할을 담당하게 되는데, 김광석이 생전에 발표한 모든 음반들, 안치환이 민중가요 가수의 범위를 넘어 확실하게 포크 록 아티스트로 거듭나는 음반(특히 3~4집)들에서, 여행스케치를 포크 동아리에서 프로 그룹으로 끌어올린 음반들(특히 2집~4집)은 하나뮤직의 음악적 특성이 레이블 밖에서도 크게 작용한 작품들이라 할 수 있다.     

  그러나 한창 서태지와 아이들로 상징되는 신세대 댄스 뮤직이 주류에서 열풍을 일으키며 가요계의 패러다임을 변화시키던 시점에 하나뮤직이 내놓은 계열 장르의 음악들은 상업적으로는 큰 수익을 올려놓지 못했고, 결국 하나뮤직은 1995년 1차 폐업을 하게 된다. 

  

[1992~1995 하나뮤직 대표 아티스트 & 앨범]

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# 정혜선 1집 (1992) : 대표곡 <오, 왠지>, <나의 하늘> 

  정혜선은 소위 ‘여자 전인권’ 혹은 ‘한영애’를 연상시키는 개성있는 보컬과 싱어송라이터로서의 능력을 모두 갖춘 실력파 뮤지션이었으나 홍보반을 제외하고 미발매된 2집(1995, 킹)을 끝으로 결혼과 함께 음악계를 떠났다가 얼마 전 푸른곰팡이를 통해 EP를 내고 컴백함. 

# 정원영 1집 (1993) : 대표곡 <가버린 날들>, <거리에 서서>

  고 3때 가수 이장희의 눈에 띄어 밴드 '석기시대','사랑과 평화','위대한 탄생' 등에서 키보디스트로 참여. 그 후 미국으로 유학 가 버클리 음대를 졸업하고 귀국. 퓨전 재즈의 본질을 지키면서 가요적 멜로디 감각을 더한 음악을 들려줌. 방송인, 실용음악과 교수로 활동 중. 대학 제자들과는 ‘정원영 밴드’로 활동중. 

# 낯선사람들 1집 (1993) : 대표곡 <낯선 사람들>, <해의 고민>, <무대 위에>

  1990년 제2회 유재하 음악경연대회에서 ‘거리 풍경’으로 대상을 차지한 고찬용과 그가 활동했던 인천대학교 음악동아리 “포크 라인”의 멤버들로 결성되었던 5인조 보컬 그룹. 멤버였던 이소라는 김현철과의 듀엣 <그대안의 블루>의 히트 이후 동아기획으로 옮겨 솔로 커리어 시작. 아카펠라부터 퓨전 재즈까지 풍부한 해석 능력을 보이는 고찬용의 작,편곡 감각이 일품.

# 하나 옴니버스 1,2,3집 (1992/1993)

  ‘우리노래전시회’의 계보를 잇는 하나뮤직의 소속 뮤지션들을 주축으로 한 옴니버스 앨범 시리즈. 하나뮤직과 연관을 맺은 패밀리들의 중요 대표곡들을 한 자리에서 만날 수 있고, 심지어 김민기와 최성원, 손진태 등 동아기획 계열이었던 아티스트들의 곡들도 만날 수 있다. 1998년에는 세 음반의 하이라이트만 모은 1장짜리 베스트 앨범도 발매되었다.

Part 3. 하나뮤직 2기(1997~2003) : 레이블의 재건과 하나뮤직 2세대의 발굴 

  1995년 하나뮤직이 일단 레이블 사업을 접은 후 주축 아티스트들인 조동진과 장필순은 [조동진 5](1995), [장필순 4](1995)을 킹레코드의 타이틀로 내놓으면서 자신들의 커리어를 지켰다. 그러나 2년간 구심점 없이 서로 흩어져있는 하나뮤직 패밀리에 대해 조동진은 큰 아쉬움을 갖고 있던 즈음, 과거 그들이 하나뮤직 스튜디오로 사용했던 서울 논현동의 공간이 다시 임대로 나왔음을 확인한 후 그와 (더 클래식의 멤버이기도 했던) 박용준은 함께 이 곳을 임대했다. 이후 하나뮤직은 신나라 레코드 등에서 선수금 형태로 제작비를 받아 ‘하나뮤직그룹’이라는 이름을 갖고 소속 아티스트들의 음반들을 제작해 나갔다. 

  이 시기에는 과거 하나뮤직 패밀리들의 신작들(장필순, 조동익, 김창기, 엉클(한동준-권혁진))도 발매되었지만, 더 중요한 부분은 [하나뮤직 Project]라는 이름 아래 4장의 동일 주제에 기반한 곡들을 모은 레이블 옴니버스 앨범들이 발매되는 방식으로 하나뮤직의 2세대 신인 뮤지션들의 발굴이 지속적으로 이뤄졌다는 것이다. 특히 [하나뮤직 Project 2 : New Face](1999)는 오롯이 8명의 (당시의) 신인 아티스트들의 곡들만으로 채워져 있었다. 이 옴니버스들을 통해 윤영배, 이규호, 오소영, 이다오, 조동진의 막내 여동생 조동희, 재즈 피아니스트 김세운 등이 하나뮤직의 미래를 짊어질 뮤지션들로 부각되기 시작했다. (그 중 이규호와 오소영은 각각 정규 1집을 이 시기에 발표했다.) 그러나 CD에서 음원으로 넘어가는 음반업계의 상황, 그리고 주류 가요와 매우 거리를 둔 그들의 아티스트 지향적 음악들의 상업성의 한계로 인해 역시 하나뮤직은 재정상의 문제를 극복하지 못하고 다시 긴 침묵 속으로 빠져들게 되었다. 

[1997~2003 하나뮤직 대표 아티스트 & 앨범]

  

  

(앨범 커버는 좌측 상단부터 글 내용 순서대로 배치.)

# 장필순 5집 (1997) : 대표곡 <나의 외로움이 너를 부를 때>, <스파이더맨>

동아기획에서 출발, 하나뮤직의 식구가 되면서 포크/포크 록을 자신의 중심으로 삼고 레이블의 주축 아티스트가 된 그녀의 얼터너티브 록으로의 음악적 스펙트럼의 확장이 처음 시도된 작품. 이후 [Soony 6](2002), [Soony 7](2013)을 통해 그 세계는 더욱 확장됨.

# 이규호 1집 - Alterego (1999) : 대표곡 <거짓말> 

제 5회 유재하 음악 경연대회에서 동상을 수상한 이후 5년여의 준비기간을 거쳐 탄생한 음반. 정갈한 발라드, 아이리쉬 팝, 록/포크 록 등 다양한 장르가 공존하지만 본인만의 고유한 분위기와 스타일을 담았다. 이후 15년 만에 2집 [Spade One]을 공개해 매니아들의 호평을 받음.

# 김창기 1집 - 하강의 미학 (2000) : 대표곡 <넌 아름다워>, <형과 나>, <너의 자유로움으로 가>

과거 동물원의 멤버로서 1집부터 6집까지의 타이틀곡을 책임졌고, 김광석 등 주변 뮤지션들에게 명곡들을 선사했던 싱어송라이터였던 김창기는 이 첫 솔로앨범을 통해 더 솔직하고 자신의 감정에 충실한 독백들을 풀어놓았다. 조동익 밴드의 연주 역시 그의 조금은 뻣뻣할 수 있는 이야기들을 잔잔하고 아름답게 다듬는데 일조했다.

# 오소영 1집 - 기억상실 (2001) : 대표곡 <기억상실>

  1994년 제6회 유재하 음악경연대회에서 <가을에는>으로 동상을 수상하면서 음악계에 입문. 이 앨범을 통해 역시 전곡을 자신의 손으로 완성한 싱어송라이터로서의 재능을 보여주었다. 장필순의 계보를 잇는다고 볼 수도 있지만 보컬에서는 그녀만의 고유의 영역이 존재한다. 

Part 4 : 인디레이블 ‘푸른곰팡이’로의 부활 (2011~)

  2003년 [Project vol.4 : Dream]을 끝으로 하나뮤직은 사실상 휴지기에 들어갔다. 2000년대 중반 조동진, 조동익, 장필순 등 주축 가수들이 제주도에 은둔하면서 하나음악은 그것으로 과거의 화석으로 막을 내리는 듯했다. 그러나 2011년 그 역사는 ‘푸른곰팡이’라는 새로운 인디 레이블 형태로 부활했다. 원래 이 레이블 이름은 조동익이 2004년 젊은 색깔의 음악을 표출하기 위해 만든 하나뮤직의 서브 레이블 개념으로 출발했다고 한다. 그러나 2011년 하나뮤직 패밀리의 일원인 김정렬(새바람이 오는 그늘을 거쳐 현재 더 버드(The Bird)의 리더)과 박용준, 송혁규 백제예술대학 교수가 뜻을 모아 푸른 곰팡이 공동대표를 맡게 되면서 레이블의 운영은 본격화했다. 여기에 옛 하나뮤직 식구들이 다시 모여들어서 현재의 구성을 갖추게 되었다. 

  현재 이 레이블에는 조동진, 조동익은 물론 장필순, 한동준, 고찬용, 박용준, 이무하, 정혜선 등 1세대와 이규호, 오소영, 윤영배, 조동희, The Bird, 소희 등 2-3세대 뮤지션들이 소속되어있다. 조동희의 1집 [비둘기](2011)가 이 레이블의 공식 첫 음반이라고 한다면, 현재까지 20여장의 앨범들을 지난 6년간 지속적으로 발표하면서 하나뮤직의 향수를 기억하는 음악 팬들과 인디 뮤직 팬들에게 좋은 반응을 얻고 있다. 특히 윤영배의 3집 [위험한 세계](2013)과 조동진의 복귀작 [나무가 되어](2016)은 한국대중음악상 올해의 음반상을 수상하면서 평단에게 작품성으로도 인정을 받았다. 

[2011~2016 푸른 곰팡이 대표 아티스트 & 앨범들] (리스트)

# 조동희 1집 - 비둘기 (2011) / # 고찬용 2집 - Look Back (2012)

# The Bird - The Bird (2012) / # 윤영배 3집 - 위험한 세계 (2013) 

# 이규호 2집 - Spade One (2013) / # 장필순 7집 - Soony Seven (2013)

# 옴니버스 - 강의 노래 (2015) / # 조동진 - 나무가 되어 (2016)

  

 

 

 

 

P.S. 현재 레이블의 대표는 조동희가 담당하고 있으며, 2017년 9월 16일 오후 7시에 푸른곰팡이의 과거와 현재를 아우르는 멤버들이 모여 갖는 공연 ['꿈의 작업 2017' 우리 같이 있을 동안에]가 진행된다. 원래는 방광암으로 투병중이었던 조동진도 무대에 오를 계획이었으나, 지난 8월 28일 세상을 떠나게 되면서 이번 공연은 그를 추모하는 의미의 공연으로 진행 될 예정이다. 

2010년대 J-Idol 이해하기, 걸그룹 싱글 BEST 10

J-Pop 아이돌 걸 그룹 씬 역시 2010년대로 접어들면서 2000년대에 비해 더욱 복잡한 구도로 흘러가고 있다. 그리고 반세기를 넘긴 역사 속에서, 그들의 음악은 그 음악적 가치의 고저를 떠나 확실하게 일본 대중 문화만이 가진 독특한 씬을 다져놓았다. 첫 번째 요인은 2000년대 말부터 헬로 프로젝트!(Hello! Project!)의 2000년대 전성시대가 정체기를 맞은 틈을 타 'TV를 넘어 언제나 공연장에서 만날 수 있는 아이돌' 전략으로 판도를 뒤집어버린 AKB48에 있다. 이는 음반시장의 불황 속에서도 발매한 일련의 싱글이 연속으로 오리콘 1위는 물론 100만장 판매까지 달성해내는 괴력을 발휘한 사건이었다. 물론 이 결과는 음원시장에서의 선전, 그리고 다수 인원 멤버들의 인기를 경쟁을 붙이면서 악수회 등 다양한 이벤트와 음반 판매를 연결시킨 덕분에 가능했던 것이긴 하다.

이러한 결과는 음반 업계 입장에선 환호할 일이었기에, 이런 마케팅 발상의 전환을 통한 성공사례를 보면서 새로운 군소 아이돌 기획사들은 물론 각 메이저 레이블마다 다시 아이돌 걸 그룹들을 양산하기 시작했다. 게다가 카라와 소녀시대를 선두로 K-Pop의 유행을 타고 일본의 전형적 스타일과는 어딘가 다른 느낌을 주는 한국의 걸그룹들이 대거 일본 시장에 진출하면서 결국 J-Pop 시장 내에서의 아이돌 걸그룹 공급은 포화상태를 넘어서버렸다. 결과적으로는 시장에서 대중의 선택은 넓어졌지만, AKB48을 제외하고는 과거처럼 '국민급 걸 그룹'이 나오기 힘든 구조가 되어버렸기에, 더욱 경쟁은 치열해지고 있는 상황이다.

그래서 이번 리스트는 처음에는 2010년대에 일본 내에서 활약하고 있는 대표적인 아이돌 걸 그룹들, 그리고 새롭게 부각되는 그룹들의 주목할만한 싱글을 10장 골라보았다. 모두 2010년부터 2013년 4월까지 범위에서 국내 정식 음원 발매된 곡에만 한정했고, 각 그룹들의 활동상의 특색이 현재의 J-Idol 씬의 트렌드를 반영한다고 본 그룹들의 (선곡 가능한) 대표곡을 선정했다. 물론 일본 아이돌 매니아들이 보기에는 당연히 있어야 하는데 빠진 그룹들이 보일 것이다. 당장 AKB48, SKE48, NMB48 등이 안보이지 않는가. 그러나 AKB계열 음반들을 발매하는 해당 기획사는 한국에는 거의 음원, 음반 발매를 고려하고 있지 않고, 에이벡스(Avex) 계열의 음반사의 한국 배급권을 가진 모 레이블은 요새 거의 J-Pop 음원을 국내발매 하지 않고 있다. 게다가 나머지 직배사들도 겨우 일부 아티스트들만 음원 공급으로 끝내는 상황이라, 그 분들에게 만족스러운 리스트를 완성하는 것은 애초에 불가능했음을 미리 밝혀둔다. 그래도 국내 발매된 범위에서 최선을 다해 선택한 리스트이자 현재 일본 아이돌 걸그룹 씬의 트렌드를 반영한 리스트임을 부디 이해해 주시길.

Section 1 : AKB48 패밀리를 통한 '그들의 어장관리법'

1. 高橋 みなみ(타카하시 미나미) - Jane Doe (2013)
AKB48에서 팬 투표 인기 순위의 윗 서열에 놓인다는 것, 다시 말해서 해마다 열리는 '총선거'의 순위가 높아진 멤버들은 다분히 언론과 방송의 노출 빈도가 잦아지고, 결국 아이돌 가수 외에 다른 영역의 활동도 훨씬 수월해진다. 게다가 그렇게 혼자서 큰 인기를 얻게 되면 매니지먼트 측에서도 그 멤버를 솔로 음반까지 내 주는 경우가 종종 있어왔다. 이제는 졸업했지만 꾸준히 에이스 역할을 담당했던 마에다 아츠코나 단신이지만 '고양이과'의 귀여움으로 승부하는 이타노 토모미, 앳띤 얼굴과 청순한 외모와 팬들을 사로잡은 와타나베 마유, 훤칠한 신장과 큰 눈이 매력적인 카사와키 유키에 이어 드디어 최근에는 이들의 종합 프로듀서 아키모토 야스시가 가장 믿음을 준다고 알려진 그룹의 실질적 '반장'인 타카하시 미나미도 올해 드디어 첫 솔로곡을 발표했다. 그간의 멤버들의 솔로 싱글들이 AKB48의 본래 스타일과는 과감히 다르게 가는 방향을 택한다면, 타카하시의 이 싱글은 기존 AKB계열 히트곡과 근본적으로는 큰 차이는 없다. 다만 미나미의 성숙해진 이미지와 목소리가 이젠 충분히 '홀로서기'가 가능해 보임을 확인할 수 있다.

2. 渡り廊下走り隊7 (와타리로카 하시리타이7) - バレンタイン・キッス(발렌타인 키스) (2011)
AKB48의 멤버들은 전체 그룹 활동 외에도 (우리나라의 몇몇 걸그룹들 역시 그러하듯) 다양한 유닛으로 변신해 각개전투로 팬들과 만나기도 한다. 'No3b'로도 표기되는 타카하시 미나 주도의 노스리브즈, 카와사키 유키가 리드하는 프렌치 키스(French Kiss), 팬들 인기도로는 마에다를 앞서며 총선거의 우승도 해본 오오시마 유코가 리드하는 낫 옛(Not Yet), 아키모토 사야카가 리드하는 디바(DiVA) 등이 그룹의 싱글 활동이 빈 사이에 각개 출전해 팬들의 지갑을 열게 만든다. 그 가운데 소위 '막내파'(팀 내의 어린 연령대 멤버들)의 대표주자인, 와타나베 마유가 리더로 있는 와타리로카 하시리타이', 한자 그대로 번역하면 '이동복도주행대'는 2008년 데뷔하여 지금까지 꾸준히 인기를 얻고 있는 유닛이다. 이 곡은 역시 아키모토 야스시가 과거에 키웠던 오냥고 클럽의 멤버 코쿠쇼 사유리가 1986년 발표해서 차트 2위까지 올린 청소년들을 위한 일본 최고의 발렌타인 데이 히트곡이기도 하다

3. HKT48 - スキ!スキ!スキップ! (좋아!, 좋아!, 스킵!) (2013)
4. SDN48 - 愛、チュセヨ (사랑, 주세요) (2011)
AKB48의 전국적 대히트 이후 아키모토 야스시는 일본의 각 지역별로 계속 이 그룹의 자매그룹 형태의 걸그룹을 지속적으로 건설해 나갔다. 마치 패스트푸드 프랜차이즈 체인점처럼 비슷한 형태의 자매 그룹을 만들어가는 것 셈이다. 나고야 시를 기반으로 한 SKE48, 오사카 시를 기반으로 한 NMB48 등이 결성되어 연속으로 성공을 이어가자, 이제 제 4탄으로 준비한 팀이 바로 후쿠오카를 근거지로 활동하게 된 HKT48이다. AKB48이 팀A, 팀K, 팀B로 구분되듯, 이들도 15명의 정식 멤버(팀H)이 먼저 활동하고 있고, 앞으로 연습생들이 나머지 팀으로 꾸려질 예정이다. 멤버 모집 후 2년 만에 발표된 이들의 데뷔 싱글인 'スキ!スキ!スキップ!' 역시 음악적 스타일에서는 AKB의 보편적 스타일인 록 비트에 기반한 댄스 팝이다.

이렇게 여러 버전의 팀들이 연이어 성공을 거두었지만, 유일하게 이 패밀리에서도 짧은 역사로 그 종말을 고한 팀이 바로 SDN48이다. 'Saturday Night'이라는 표현에서 그룹명을 정한 이 팀은 기존의 그룹들이 10대 멤버들을 끼워 두었다면, 순수하게 20세 이상의 성인들로만 구성해 '섹시 컨셉'을 모토로 활동했던 팀이다. AKB패밀리들 중 가장 먼저 한국에 라이선스 싱글을 발매한 적이 있으며, 한국 작곡가의 곡들로 활동하는 등 한국 진출 의지가 강했으나 한국에서 전혀 반응을 얻지 못했다. 결국 전 멤버가 2012년 3월 말 NHK 홀에서 행해진 단독 콘서트를 끝으로 졸업하면서 자동 해체했다. '사랑, 주세요'는 제목에서 보듯이 한국작곡가가 만든 곡이며, 2번째 싱글로 매우 '야한' PV가 화제를 모으기도 했다. 한편, AKB패밀리의 프랜차이즈는 일본을 넘어서 이제 인도네시아 자카르타까지 퍼지면서 JKT48이라는 새 그룹을 조직하기도 했다.

Section 2 : 헬로! 프로젝트의 생존전략

5. Berryz工房 × ℃-ute - 超HAPPY SONG (2012)
모닝구 무스메에 이어 헬로! 프로젝트의 2000년대 후반을 대표했던 두 후속 그룹들 - 베리즈 코보, 큐트 - 는 입학과 졸업을 지금까지 끊임없이 반복하는 모닝구 무스메와 달리, 애초에 '헬로! 프로젝트 키즈'로 선발되었을 때의 멤버들이 거의 그대로 남아 있고, 탈퇴를 해도 새 멤버를 더 뽑지 않는 오랜 결속력을 과시하고 있다. (물론 이 멤버들은 보노(Buono!)를 비롯한 여러 소유닛활동등을 틈틈히 벌이고 있긴 하다.) 다만, AKB패밀리의 인기가 너무 커지면서 상대적으로 모닝구 무스메와 이들이 초창기의 화려했던 인기보다는 덜한 성적을 거두자, 프로듀서 츤쿠는 아예 베리즈 코보와 큐트의 전 멤버들이 함께 노래하는 프로젝트를 2011년 처음 가동했다. 첫 싱글 '甘酸っぱい春にサクラサク(새콤달콤한 봄에 사쿠라사쿠)'에 이어 10개월 만인 작년 6월에 공개했던 이 곡은 두 그룹이 같은 반주 위에서 노래한 2곡의 별도의 노래를 하나로 합쳐 만든 곡이다. 밝고 명랑한 걸 팝의 전형인 곡.

6. イドリング!!!(아이돌링!!!) - Mamore!!! (2012)
헬로! 프로젝트 계열의 그룹들은 모닝구 무스메도 그렇지만 그간 많아 봐야 10명 안팎이었던 것에 비해 아이돌링은 결성 시기인 2006년부터 지금까지 지속적으로 1기부터 5기까지 멤버들을 선발하면서 거의 20명 이상의 총원을 그대로 이끌고 활동하는 팀이다. 그렇기에 활동 방식에서 AKB48과 가장 많이 비교되기도 한다. 전용 극장 같은 것은 없지만, 이들은 자신들만의 TV쇼인 '아이돌링'을 진행하고 있기 때문에, 팬덤을 확보하기가 꽤 유리한 조건도 갖고 있다. 이 싱글은 그들의 17번째 싱글이자 역대 최고 히트 순위인 오리콘 2위까지 올라간 트랙으로, 꽤 로킹한 비트와 편곡을 담았고, 멤버들의 보컬도 이에 거부감 없이 잘 어울린다.

Section 3 : 양대 기획사의 틈새를 뚫어라!! - 그 밖의 다른 기획사의 주목할 그룹들
 
7. ももいろクローバーZ (모모이로클로버 Z) - Z전설 ~끝없는 혁명~ (2011)
모모이로클로버 Z는 여성 싱어송라이터 유이(Yui)가 소속된 스타더스트 프로모션에서 2008년 결성한 아이돌 걸그룹이다. 마치 한국 걸그룹 레인보우(Rainbow)가 그런 것처럼 5명의 멤버들이 각각 빨강, 노랑, 분홍, 초록, 보라색의 이미지를 갖고 있으며, 실제로 항상 해당 색상의 일본식 전대물('파워 레인저'로 현재는 대표되는 실사-미니어처 합성 어린이용 드라마) 풍의 복장을 입고 무대에 서는 경우가 많다. 이 싱글은 2011년 6월 공개된 그들의 네 번째 싱글로, 곡 분위기 역시 전대물 주제곡 같은 느낌을 주면서 로킹하게 흐른다. 이후 일곱 번째 싱글 '맹렬 우주 교향곡 제7악장 「무한의 사랑」'에서는 메가데스(Megadeth) 출신의 기타리스트 마티 프리드먼(Marty Friedman)이 세션에 참여하고, 심지어 작년 라우드파크에서는 애니메틀 USA(Animetal USA)의 무대에 게스트로 초대되는 등, 록 밴드들과 콜라보레이션을 맺는 일이 많아지고 있다. 오는 5월 11일, 일본 오즈페스트(Ozzfest) 무대에도 설 예정.

8. Bump.Y - COSMOの瞳 (COSMO의 눈동자) (2013)
가수보다는 배우 아이돌 기획사로 잘 알려진 스위트 파워(Sweet Power)에서 2009년 결성한 5인 여성 아이돌 그룹 범피는 기획사의 특성답게 애초에 소속사에서 배우로 데뷔한 10대들을 모아 가수로 데뷔시킨 케이스다. 물론 J-Pop 씬에서 배우나 탤런트가 가수로 데뷔하는 것은 한국과 홍콩 못지않게 매우 자연스러운 일이긴 하다. 심지어 페어리즈(Fairies)같은 팀의 경우 멤버 전원이 성우들이니까. 이 그룹이 한국에도 그들의 이름을 알리고 음원까지 배급되게 만든 계기는 아마도 카라, 인피니트의 곡들로 일본 내에서도 대환영을 받은 작곡팀 스윗튠(한재호-김승수)에게 이들의 네 번째 싱글 'Kiss!'의 작곡과 프로듀싱을 맡긴 것이 화제가 된 것 때문일 것이다. 이들의 가장 최근 싱글인 이 곡은 그들의 역대 싱글 중에서는 가장 높은 23위까지 진출했으며, 그간의 그들의 싱글들이 그랬듯 전자음 중심의 밝고 명랑한 틴 팝 트랙이다.

9. Passpo☆ - 少女飛行 (소녀비행) (2011)
모든 앨범 커버와 무대에서 (비행기 승무원) 제복 형태의 의상을 입고 등장하는 특징으로 인해 일부 K-Pop 팬들은 한국의 소녀시대에 영향을 받은 것이 아니냐는 의혹(?)을 사고 있는 파스포☆는 연예기획사 플래티넘 패스포트가 2009년 오디션을 통해 중고생들을 선발해 조직한 팀이다. 흥미로운 건 데뷔 당시에는 10명으로 출발했었던 이 팀은 2011년 연말 사쿠마 카호가 졸업하면서 지금은 9명으로 활동 중이라는 점. 그리고 작년 말 발표된 소녀시대의 정규 2집 이미지 컨셉이 바로 여기서 소개하는 이들의 2011년 첫 메이저 싱글의 커버와 거의 같아 보이는 것에서 두 팀간의 흥미로운 유사성은 계속 이어지는 중. 하지만 이는 두 팀 모두 일본 유니버설 뮤직 산하 레이블에 각각 있기에 충분히 의도된 모 레이블의 계산일 수도 있다. 전형적인 J-Rock 타입의 연주 위에서 상큼하게 노래하는 록 댄스 트랙으로, 데뷔 즉시 오리콘 1위로 데뷔했었다.

10. さんみゅ〜(산뮤〜) - くちびるNetwork (입술Network) (2013)
산뮤~는 여기 소개된 걸그룹들 가운데는 가장 늦게 (2012년) 데뷔한 8인조 그룹으로, 태양뮤직 브레인이라는 아이돌 기획사에서 오랜만에 기획한 보컬 그룹이다. 다른 주류 아이돌 걸그룹들에 비해 이들이 가진 독특한 컨셉은 현재 AKB48등이 보여주는 빠르고 강한 스타일의 음악들과 달리 과거 1980년대식 일본 여성 아이돌의 이미지, 소위 '청순파 아이돌'(애니메이션 마니아라면 애니메이션 '마크로스'의 린 민메이의 캐릭터를 생각하면 될 것이다) 분위기를 현재적으로 표현하려 한다. 실제로 이들은 그 시절의 과거 선배 아이돌들의 노래를 라이브로 커버하면서 지금까지 활동해왔다고. 드디어 공식으로 발표된 이 첫 싱글 역시 1980년대의 인기 아이돌 오카다 유키고가 노래하고 당시 최고의 여성 아이돌이었던 마츠다 세이코가 가사를 쓴 1986년 작품이다. 전체적으로 비트는 일렉트로닉화되긴 했지만, 원곡의 절제되고 차분한 특징은 나름 잘 계승하려 노력했다.

지난 8월에 부산 록 페스티벌 무대와 서울 무대를 통해 다시 한 번 내한공연을 가지면서 이제 한국의 록 팬들과 상당히 친밀감과 유대를 형성했다고 믿었던 갈네리우스의 한국 팬들에게 얼마 전 밴드의 현재 리드 보컬리스트인 오노 마사토시(Ono Masatoshi), 즉, 쇼(Sho)가 페이스북에 남긴 메시지와 사진은 인터넷 메틀 커뮤니티 속에서 꽤 논란을 일으켰다. 바로 현재 한국과 일본 사이에서 가장 첨예한 외교적 대립각의 의제로 자리 잡은 대상, ‘독도’에 대한 그의 생각이 드러나는 부분들이었기 때문이었다. 

일단 사건의 개요를 정리하자면, 쇼가 자신의 페이스북에서 BBC에서 독도에 대한 한국 측 입장을 반영한 내용의 다큐멘터리를 방영한 것에 대해 일본의 대응이 필요하다는 투의 언급을 했고, 그 후 얼마 되지 않아서 자신이 야스쿠니 신사에 참배를 간 사진을 실었던 것이 그 전말이다. 이 포스팅에 대해서 그가 정말 일본 극우파들의 생각에 동조하고 있는 것인지에 대해서는 오직 그 자신만이 답을 할 수 있겠지만, 정치인이 아닌 단순히 젊은 뮤지션의 입장에서 제대로 된 근현대사 역사 교육을 회피한 일본 사회의 구조를 볼 때 정확한 인식을 할 기반 자체가 부족했던 것이 아닐까 하는 생각은 든다.

이유가 어떠했든 그 동안 그들을 아꼈던 팬들의 입장에서는 약간은 실망스러운 해프닝이었다. 한국과 일본 양국에서 모두 큰 인기를 얻고 있는 어떤 걸 그룹조차 몇 달 전 새 음반 발표 기념 쇼케이스에서 노골적으로 독도에 대한 입장을 밝히라는 매체 기자의 인터뷰 질문을 받는 해프닝이 일어났을 정도로 한국인들이 이 문제에 민감하다는 것을 마사토시가 조금만 숙지했더라면 좋지 않았을까? 자신의 소속 밴드가 한국에 대해 그간 그만큼 관심과 애정을 가져왔었다면 말이다.

1990년대, 그녀들은 달리고 날았다 : 복귀를 촉구하는 여성 싱어송라이터 BEST 7
 
1990년대는 그야말로 여성 뮤지션들의 전성시대였다. 더는 여성 록커들이 과거 조안 제트(Joan Jett)나 리타 포드(Lita Ford)처럼 남성들이 만들어놓은 헤비 록의 옷을 걸칠 필요가 없었다. 고고스(Go-Go’s)나 뱅글스(Bangles)처럼 상업적인 외모 어필을 감수할 필요도 없었다. 자신의 음악적 재능 그대로를 보여줄 수 있는 여건이 조성되었기 때문이다. 게다가 얼터너티브 록이 도래한 시기다. 포크 록을 해도, 루츠/컨트리 형식의 록을 해도 그게 다 ‘대안(Alternative)’으로 주목받을 수 있던 시절이었다.

구매 1994년 이후 2-3년간 수많은 아티스트들이 주류에서 성공을 거두었다. 일례로 크랜베리스나 노 다웃(No Doubt) 같은 여성 프론트맨이 매력을 주도하는 록 밴드가 부상했다. 세릴 크로우(Cheryl Crow)를 선두로 한 포크-루츠 성향의 여성 솔로 뮤지션, 그리고 새라 맥라클란(Sarah McLachlan)을 선두로 한 어덜트 팝/록 경향의 뮤지션들까지 장르도 풍요로웠다. 거기에 더해 한때는 ‘릴리스 페어(Lilith Fair)’라는 여성 뮤지션들만의 페스티벌이 열리기도 했으니, 영미 여성 아티스트들에겐 정말 최고의 시절이었다.

하지만 2000년대를 다 거치고 2010년대로 접어든 시점에 보면 한때 화려한 명성을 얻었던 ‘여걸’들은 지금 어디에 가 있는지 궁금해진다. 그만큼 그들의 최근 행보는 국내에 전해질 만큼의 위력을 보여주지 못하고 있다. 실제로 2000년대에 활동을 뜸하게 한 탓도 있고, 음악이 예전 같은 대중적인 매력을 보여주지 못해서일 수도 있다. 하지만 예외도 있다. 어떤 아티스트들은 메이저를 떠나 몇 년 만에 인디 레이블에서 새 앨범을 발표했고, 히트는 하지 못했어도 해외 평단의 호평을 얻기도 했다.

그래서 이번 리스트에서는 분명히 1990년대에는 세계적으로 ‘날아다녔’지만, ‘한때 좋아했는데 소식 듣기 힘든’ 가수들의 그간의 근황과 함께 그들이 왜 그렇게 ‘움츠려들 수 밖에 없었는가’를 알아보았다. 한국에 있는 우리 입장에서 쓰여진 리스트이기도 하다. 전과 같은 파워는 없지만 마침 최근 새 음반을 냈거나 낼 계획을 세운 아티스트들이 많이 있기에, 2010년대에는 다시 활발하게 활동하고 더 많은 대중적 반응을 얻는 모습을 볼 수 있길 희망한다. 물론 메이저 레이블의 우산 속에 있지 않다는 건 홍보에 있어 분명히 그들에겐 핸디캡이긴 하겠지만.

1. Dolores O'Rioden (The Cranberries)
#. 1990년대에 날았던 이유: 90년대 인기 밴드 크랜베리스의 프론트 우먼, 마성의 목소리.
#. 2000년대에 움츠렸던 이유: 그룹의 활동 중단, 솔로 활동의 부진.

크랜베리스의 리드 보컬리스트 돌로레스 오라이어던은 아일랜드 록 밴드 특유의 몽환적 분위기에 일조한 특유의 보컬 창법과 음색을 통해 1990년대의 대표적 여성 록 보컬리스트로 부상했다. 특히 2집 앨범 [No Need to Argue](1994)의 'Zombie'와 'Ode to My Family'의 세계적 히트는 밴드의 위상을 최고조로 올려주었다. 적어도 그 기운은 3집 [To The Faithful Departed](1996)까지는 잘 이어졌으나, 이후 두 장의 앨범이 본국을 제외하고 영미 대륙에서는 저조한 성과를 내면서 2001년을 끝으로 밴드는 10년 가까운 휴식기를 가졌다. 그 사이에 돌로레스는 솔로 앨범 [Are You Listening?]을 발표했지만 역시 대중과의 거리는 가까워지지 못했다. 밴드는 결국 다시 뭉쳐 올해 초 새 앨범 [Roses]를 발표했다. 과거 크랜베리스의 음악에 열광했던 팬들에게는 아직 발매 소식 자체가 낯설 것 같다. 'Tomorrow', 'Show Me The Way' 등 좋은 트랙들이 이 앨범 속에도 담겨 있으니, 좀 더 분발하여 전성기의 마력과 힘을 복원해주길 기대한다.

2. Alanis Morissette
#. 1990년대에 날았던 이유: 90년대 여성 록커 붐의 아이콘. 데뷔 앨범의 메가톤급 히트.
#. 2000년대에 움츠렸던 이유: 후속 앨범들에 대한 대중의 미지근한 반응.

앨라니스 모리셋은 1995년과 1996년, 거의 음악계의 대세와 같았다. 데뷔 앨범 [Jagged Little Pills](1995)은 여림과 강건함을 두루 살린 탄탄한 음악으로, 그리고 1990년대가 원하는 여성 록 히어로의 조건을 충족한 작품이다. 앨범의 프로듀서 글렌 발라드(Glen Ballad)의 깔끔한 대중적 프로듀싱의 지원 속에 'You Oughta Know' 'Ironic' 등이 터지면서 다이아몬드 레코드의 위업을 달성했다. 한편으로는 완벽한 변신의 앨범이기도 했다(그녀는 과거 고국 캐나다에서 댄스 팝을 했던 경력이 있다). 그러나 영화 '시티 오브 앤젤'의 OST 'Uninvited', 2집 [Supposed Former Infatuation Junkie]의 히트곡 'Thank You' 이후에는 이렇다 할 빅 히트곡이 없다. 그녀 스스로 아티스트로 독립하려는 음악적 성숙도는 2000년대에 와서 더 강화되었지만, 그게 오히려 그녀에게는 대중과 점점 멀어진 결과를 낳았다. 그래도 2000년대에도 2장의 앨범을 더 발표했고, 오랜만의 새 앨범이자 6집 [Havoc and Bright Lights]이 올해 8월에 발매될 예정이라니, 이번에는 좀 더 킬링 트랙으로 우리 곁에 돌아오길 바란다.

3. Joan Osborne
#. 1990년대에 날았던 이유: 싱글 'One of Us'는 가사 면에서 세계적 센세이션이었다.
#. 2000년대에 움츠렸던 이유: 대중은 그녀가 좋은 앨범을 냈는지도 잘 몰랐음.

“만약 신이 우리들 중 보잘 것 없는 남루한 한 사람이고, 그가 집으로 돌아가고 있는 버스에 탄 낯선 사람일 뿐이라면?” 이는 조안 오스본의 히트곡 싱글 'One of Us'이 전한 내용이다. 기독교 신자들에게는 조금 도발적인 의미로 와 닿을 메시지이기도 했다. 아름다운 멜로디와 논란의 가사로 1990년대 중반 록 씬을 강타했던 조안 오스본은 블루스, 소울, 루츠, 재즈의 감성까지 대중음악의 모든 분야를 능숙하게 다룰 줄 알았던 뮤지션이다. 메이저 데뷔작 [Relish](1995)에서 'One of Us' 외에도 컨트리/루츠 블루스 'Right Hand Man', 'St. Teresa' 등이 히트했지만, 그러나 그녀는 첫 앨범 이후 자그마치 5년의 휴식을 거쳐 2집 [Righteous Love]는 아무런 히트 싱글도 갖지 못했다. 그래도 희망이 보인다. 2000년대에는 컨트리, 소울 등 다양한 시도의 커버 앨범을 내며 방황했지만 여전히 미국 일부 평론가들은 그녀에게 호평을 아끼지 않았기 때문이다. 최근 발표한 커버 앨범 [Bring It on Home]을 제외하면 가장 근래의 정규 앨범이었던 2008년작 [Little Wild One] 역시 히트와 무관하게 'Hallelujah In the City', 'Little Wild One' 등 빛나는 곡이 많았다. 그녀의 수려한 목소리와 작곡 감각은 여전했으니, 부디 그녀의 이름을 다시 널리 알릴 싱글이 탄생하길 바란다.

4. Sophie B. Hawkins
#. 1990년대에 날았던 이유: 2곡의 Top 10 싱글로 빌보드를 점령한 어덜트 록의 대표선수.
#. 2000년대에 움츠렸던 이유: 레이블과의 대립, 독자 노선 추구의 후유증.

소피 비 호킨스는 분명 1990년대에 세릴 크로우의 등장 이전에는 가장 유망했던 여성 어덜트 록커로 꼽혔다. 1992년 싱글 'Damn I Wish I Was Your Lover'가 빌보드 싱글 차트 5위에 오르며 화려한 데뷔전을 치르기도 했다. 하지만 그녀는 회사의 상업적 성향에 반기를 들고 계속 그와 역방향의 음반을 제작했다. 2집 [Whaler](1994)는 'As I Lay Me Down'이라는 또 하나의 빅 히트 발라드를 낳았고 국내에서도 이 노래의 반응은 꽤 좋았지만, 이것 역시 앨범 발매 당시의 처참한 반응에서 그녀의 팬들이 발견한 마지막 '솔로 홈런'인 셈이었다. 결국 1999년 콜럼비아 레이블은 그녀가 혼자만의 힘으로 만든 3집 [Timbre]의 발매에 대한 아무런 도움도 주지 않았고, 그 이후 2000년대 내내 그녀는 정규 앨범은 [Wilderness] 1장 밖에 내지 못했다. 그 후 결혼과 출산으로 또 공백을 가졌기에 2012년 복귀작 [The Crossing]은 대중의 시야권에도 들어오지 못했다. 하지만 3집의 수록곡들은 눈부시다. 포크의 서정이 담긴 'Lose Your Way', 깔끔한 그녀의 목소리와 그녀의 주특기인 타악기 연주의 매력이 남아있는 'Walking In My Blue Jeans'를 생각하면 그녀가 이렇게 고전하고 있는 게 이해가 가지 않을 정도다.

5. Lisa Loeb
#. 1990년대에 날았던 이유: 영화 [청춘 스케치] OST가 안겨준 성공, 개성있는 보이스.
#. 2000년대에 움츠렸던 이유: 후속작들의 불발, 프랭크 자파 아들과의 연애 삼매경.

리사 롭은 당시만 해도 앞길이 창창한 신인으로 보였다. 나인 스토리즈(Nine Stories)와 함께 발표한 싱글 'Stay(I Missed You)'가 영화 '청춘 스케치(Reality Bites)'의 가장 중요한 장면에 사용되면서 1994년 당당히 빌보드 싱글 차트 1위에 등극했기 때문이다. 어쿠스틱 기타를 연주하면서 개성있는 목소리로 포크와 얼터너티브 록의 경계를 자유롭게 오가는 그녀의 음악은 충분히 대중을 사로잡을 만했다. 그리고 본격적인 밴드의 첫 앨범 [Tails](1995)를 통해 후속 싱글 'Do You Sleep'이 사랑을 받았고, 2집 [Firecracker](1997)에서도 'I Do'가 히트하면서 그녀의 인기는 지속되는 듯했다. 그러나 2002년 3집 [Cake and Pie]에서 삐끗했던 그녀는 이후에도 [The Way It Really Is](2004) 같은 괜찮은 앨범을 내고도 대중에게는 외면 받았다. 그 후 기타리스트 드위질 자파와의 연애담이 더 대중에게 알려졌었지만, 결혼은 딴 남자와 했고 벌써 한 아이의 엄마가 되었다고. 가장 최근작이 동요 앨범 [Camp Lisa](2008)이었으니, 이제 정착을 했으면 새 앨범을 낼 때도 되지 않았을까? 이렇게 사라지기엔 참 아까운 목소리라 그녀의 신보를 간절히 기다리게 된다.

6. Paula Cole
#. 1990년대에 날았던 이유: [This Fire]가 전해준 루츠 감성, 시적인 노랫말의 매력.
#. 2000년대에 움츠렸던 이유: 과도한 실험(?)과 결혼과 출산, 육아로 인한 8년간의 휴업.

폴라 콜은 피터 가브리엘(Peter Gabriel)의 월드 투어에 게스트 보컬로 초대되면서 대중의 시선에 처음 들어온 싱어 송라이터다. 19994년 첫 앨범 [Habringer]를 발표했을 때만 해도 그저 실력있는 유망 신인 정도의 반응을 얻었다. 그러나 나름 논란을 가져왔던 인상적인 커버의 2집 [This Fire](1996)에서 ‘Where Have All The Cowboys Gone’ ‘I Don’t Want to Wait’ 등이 연이어 히트를 거뒀고, 1997년에는 그래미 최우수 신인상을 거머쥐면서 그녀는 단숨에 스타덤에 올랐다. 하지만 과한 실험이 발목을 잡았다. 루츠와 포크 록에 얹어진 시적인 노랫말이 트레이드 마크였던 그녀가 3집 [Amen](1999)에서는 갑자기 일렉트로닉-힙합 비트를 추가했는데, 그리 득이 되지 못했다. 게다가 결혼과 출산, 육아에 전념하느라 보냈던 8년의 시간 동안 그녀는 어느덧 사람들의 기억에서 멀어진 존재가 되어갔다. 다행히 2007년 복귀작 [Courage]를 통해 그녀가 음악계에 복귀했음은 확인할 수 있었으니, 이 앨범에 담겼던 ‘14’ ‘Comin’ Down’ 처럼 좋은 멜로디와 자신의 기본에 충실한 활동을 한다면 언제든 그녀의 이름을 차트에서 다시 볼 날이 올 수 있을 것이다.

7. Jewel
#. 1990년대에 날았던 이유: 아름답지만 가시 돋친 어쿠스틱 포크 사운드로 이뤄낸 스타덤.
#. 2000년대에 잠잠했던 이유: 결혼과 정착, 컨트리 정서 속으로의 지나친 귀의.

사실 앞선 여섯 명의 아티스트에 비해서는 주얼의 경우는 그나마 2000년대 초반까지는 그래도 주류의 시선 속에 포함되어 있긴 했다. 하지만 ‘Standing Still’이 히트했던 3집 [This Way](2001)부터 1990년대 그녀가 ‘Foolish Games’ ‘Hands’ 등으로 쌓아놓은 명성은 흔들렸다. 성공하긴 했지만 뜬금없이 댄스팝을 시도했던 싱글 ‘Intuition’이 수록된 4집 [0304](2003)은 그녀의 많은 지지자들을 떠나게 만들었다. 다행히 5집 [Goodbye Alice in Wonderland](2006)는 ‘Again and Again’ 등 초창기 정서로 돌아간 곡들로 가득했지만, 미국 이외에서의 반응은 예전 같지 않았다. 마침 프로 로데오 선수 타이 머레이(Ty Murray)와 사랑에 빠진 그녀는 그를 따라 내시빌에 정착해버렸고, 정착한 곳에 걸맞게 이후 앨범들은 컨트리 팝 성향으로 점철되어 있었다. 그래도 6집 [Perfectly Clear](2007), 7집 [Sweet And Wild](2010)에서도 ‘Stronger Woman’ ‘Stay Here Forever’와 같은 크로스오버로 봐도 괜찮은 곡들이 있었으니, 후배 테일러 스위프트나 캐리 언더우드처럼 좀 더 로킹한 사운드를 가미한다면 다시 그녀의 이름을 세계로 뻗어나가게 할 수 있지 않을까 생각한다. 그녀는 언제나 감성적이고 아름다운 멜로디를 만들 줄 아는 싱어 송라이터이니까.

# 이 글은 이번 5월호 핫트랙스 매거진에 실린 [Essay : Pop Life] 코너에 실린 내 글이다. 아무래도 잡지에 실리는 글이라, 편집장님의 심의(?)에 걸리는 부분도 있어 잡지에 실린 글은 일부 표현이 빠져있기에, 여기서는 송부했던 원고 그대로를 실어본다. 이 글 읽고 난 후에는 제발 '저 인간 왜 그리 취향이 잡탕이야?'란 질문은 하지 마시길. 난 그렇게 30년을 들어온 사람이야. 난 모든 장르에 대한 애정을 다 갖고 있기에. 

Essay - Pop Life - 내 삶의 팝 앨범(들) 

  사실 ‘내 삶의 앨범(들)’이라는 주제로 5장의 음반을 선택해야 하는 것은 30년 가까이 온갖 종류의 대중음악 속에 빠져 살아온 나와 같은 사람에겐 결코 쉬운 일이 아니다. 그 세월동안 내 맘을 사로잡았던 음반이 설마 5장 밖에 없을까? 한 50장이라면 모를까. 다행히 이 원고는 범위를 ‘팝(다시 말해서 해외음악) 앨범’으로 한정시켜 주었고, 초등학교 5학년 때 본격적으로 나의 음악 편력이 시작될 시점에 ‘팝 음악’으로 출발했기에 이 리스트의 선정은 며칠간의 고민(?) 끝에 가능했다.

  사실 1980년대에 10대 시절을 보낸 팝 음악 매니아들은 지금처럼 인터넷이 발달하지 않았어도 노력만 한다면 충분히 풍부한 정보 수집과 음악감상이 가능했다. ‘세계는 지금’에서는 황인용 아나운서가, 방송 개그 프로그램에서는 DJ 김광한과 김기덕이 (그럭저럭) 최신의 뮤직비디오들을 소개해주었고, 연초만 되면 ‘2시의 데이트’에서 전년도 빌보드 연말 싱글 차트 100곡을 10일간 나눠 소개해주던 시절도 있었으며, 80년대 중반까지 FM의 오후-저녁 시간은 팝음악들이 점령하고 있었다. 가수 이름과 제목을 알아들을 영어 청취력이 된다면 매주 토요일 대낮에 AFKN FM으로 ‘American Top 40’를 챙겨 듣는 것으로 해외의 최신 음악 챙겨 듣기도 가능했던 시절이다. 그래미 시상식의 공중파 TV 중계는 필수였고, 게다가 ‘월간팝송’과 ‘음악세계’라는 양대 잡지도 있었으니....... 그 때는 이 모든 것들을 꼼꼼히 챙겨 보고 듣는 게 청소년으로서 내 삶의 낙이었던 것 같다. 하지만 아무리 매체가 음악을 열심히 전해줬다고 해도 그 중에 맘에 드는 음악들은 결국 음반으로 구입해야만 직성이 풀렸고, 일요 미사가 끝난 이후 항상 다니던 성당에서 가까운 역전 지하상가들을, 중-고등학생 때는 빽판, 수입 중고판을 구하려 세운상가까지 누비면서 최신 발매 음반, 과거 음반들 중 마음에 드는 것을 (테이프로 출발, LP, CD로 포맷은 변했으나) 계속 사들였다. 지금 소개하는 이 5장은 그 중 개인적으로 최소 50번 이상은 반복해서 들었고, 내 음악적 취향에 큰 영향을 미친 음반들이다. 게다가 프린스를 제외하고는 개인적으로 한국에서, 또는 미국에서 그들의 라이브까지 모두 경험했던 아티스트들이라는 공통점이 있기도 하다.

1. Prince & The Revolution - Purple Rain (1984)
  팝 음악에 본격적으로 빠져들게 만드는 데 기여한 첫 음반은 그 시절 대부분의 청소년들처럼 마이클 잭슨의 「Thriller」였다. 그러나 흑인 음악에 본격적 관심을 갖게 만드는 데 기여한 아티스트는 아마도 프린스였을 것이다. 특히 그가 주연한 이 자전적 영화의 OST는 다른 주류 흑인 가수들과 다른 끈끈하면서도 거친 매력이 있었다. 물론 그것이 바로 소울과 펑크(Funk)의 유산임은 나중에 알게 됐지만. 처음 국내에 발매될 때 <Let's Go Crazy>와 <Darling Nikki>가 금지되는 바람에 결국 중학교 때 세운상가를 뒤져 당시 라이선스 LP값의 2배를 주고 때가 묻은 중고 원판을 구했던 기억은 아직도 생생하다. 여전히 <Purple Rain>에서 울부짖는 그의 목소리와 기타는 가슴을 찡하게 만드는 무엇이 있다. 한국 팬들을 뒤흔들고 간 레니 크래비츠의 ‘간지’의 원조를 찾는다면 반드시 그의 음악을 들어보기를. 



2. Chicago - 17 (1984)
   “당신은 어떤 록 장르를 좋아하는가?”라 내게 질문한다면 난 아마도 ‘1980년대식 AOR(성인 취향 록)’이라 대답할 것이다. 평이하고 대중지향적 사운드이지 않냐는 반론을 들을 수도 있겠지만, 저니, 알이오 스피드웨건, 토토 등이 대표했던 이 매력적인 시대의 음악들을 거부할 수는 없는 법이다. 특히 시카고에 대해 <Hard to Say I'm Sorry> 밖에 모르던 시절, 실시간으로 접한 이 음반은 훗날 과거의 그들에 대해 알고 나서도 여전히 내 곁에 있었다. 밴드가 가진 재즈 록의 기본기를 프로듀서 데이빗 포스터(David Foster)와의 조우로 대중적으로 매끈하고 웅장하게 포장한 이 앨범의 사운드는 ‘얼터너티브 록’ 이후의 사운드가 결코 채워주지 못하는 마음의 평온함(?)을 제공해준다. <Hard Habit to Break> 등 발라드도 좋지만, <Stay The Night>, <Along Comes the Woman> 등이 진정한 앨범의 매력. 
 


3. Howard Jones - Dream Into Action (1985)
   어린 시절부터 변함없이 많은 애정을 갖고 있는 장르는 ‘1980년대식 일렉트로닉/신스 팝’이다. (더하여 그 시절 댄스 팝까지 포함된다.) 물론 듀란 듀란, 디페쉬 모드, 펫 샵 보이스 등이 다 애정의 대상이지만, 하워드 존스는 내게 더욱 특별하다. 한국의 젊은 음악 팬들은 기억도 못할 그를 왜 계속 좋아하냐 묻는다면, 그의 신시사이저 활용 감각도 훌륭하지만 특히 그가 주조하는 인간미 넘치는 멜로디 라인과 보컬 때문이라 말할 수 있겠다. 이 부분은 그의 90년대 이후 앨범들에서도 변함없지만, 그 음악적 절정은 바로 이 앨범에 담겼었다. 국내 발매도 안됐던 이 앨범을 중3 겨울방학 때 중고 LP로 세운상가 한 구석에서 발견했을 때의 그 기쁨이란! <Life in One Day>나 <Look Mama>와 같은 그의 상큼한 전자음의 향연부터 <No One is to Blame>과 <Elegy> 등 정갈한 건반 발라드까지 버릴 곡이 없다. 



4. L.A. Guns - L.A. Guns (1987)
  1980년대 말과 1990년대 초 고등학교 시절을 음악과 함께 보낸 이들에게 ‘헤비메틀’은 빼놓을 수 없는 키워드였다. 부모님 몰래 동인천역 주변에 있었던 영상음악 감상실 몇 곳을 다니며 중학교 때부터 세 살 터울 형님의 취향을 통해 서서히 소개받던 이런 부류의 음악들을 더 많이 듣게 되었다. 그 가운데 엘에이 건즈와 이 앨범을 잊지 못하는 것은 건즈 앤 로지스보다도 이들이 초창기에 보여준 반항적 태도가 영상과 함께 내게 전해졌기 때문이다. (형과 함께 서울로 올라와 참가한 음악 동호회 행사에서 본 <One More Reason>의 영상은 정말 충격이었다.) 대표곡 <Sex Action> 등의 제목에서 보듯, 과격한 가사들 때문에 국내반이 발매된 적 없이 빽판으로만 접했었기에 더욱 이 음반은 ‘금단의 열매’처럼 달콤했다. 1980년대 헤비메틀의 속성을 적나라하게 보여준 면에서 이 음반은 분명히 ‘명반’이다. 
 


5. Renaissance - Scheherazade and the Other Stories (1975)
  1990년대 초반은 ‘프로그레시브 록/아트 록’이 서서히 매니아들에게 유행처럼 번져갈 시기였지만, 한밤까지 기다려 그 음악들을 듣기엔 내 귀는 아직 덜 열려있었다. 그러다 한낮에 DJ김광한이 그들의 카네기 홀 실황을 1시간에 걸쳐 소개했을 때, 단숨에 그들의 음악에 빠져들었다. 결국 <Ocean Gypsy>의 오리지널 버전을 듣기 위해 청계천을 뒤지다 이 앨범의 빽판을 손에 넣었다. 청아한 음색과 호소력을 모두 발휘하는 애니 헤이슬럼(Annie Haslem) 의 보컬, 고풍스럽지만 난해하지 않고 예술적 풍모를 드러내는 밴드의 연주는 이후 다른 이 계열 앨범들을 찾아 듣게 하는 데 기폭제가 되었다. 마포 아트센터에서 그들을 직접 볼 수 있었던 기억도 내겐 소중하다. 발매 시기로는 맨 위에 놓여야 하지만, 실제 이 음반을 처음 감상하게 된 것이 1990년대 초반이었기에 이 음반을 마지막 자리에 놓았다.



P.S. 이렇게 난 팝, 록, 흑인음악, 아트록, 메탈, 컨트리까지 편견없이 음악을 듣는 법을 배웠다. 어떤 음악이든 비판을 하자면 근거를 갖고 충분히 비판할 수 있다. 그러나 비평문이란 결코 '개인의 혐오와 증오'를 담는 그릇이 아니다. 가끔 그런 글들이 '리뷰'랍시고 버젓이 웹진에 올라있는 걸 보면 어처구니가 없다. 그런 글은 제발 자신의 블로그, 트위터나 페북에다가 써라. 원고료 뻔히 받는 동네에 쓰지 마시고.

 

글_김성환 (핫트랙스 매거진) / 자료제공_워너뮤직
 

Category 1 : 보통 사람들의 힘을 외치다

 

세상이 점점 더 자본주의적 삶으로 물들어갈수록 그 속에서 계단 위쪽으로 올라가지 못한 사람들의 삶은 더욱 더 힘들어진다. 물론 그 모순에 대한 해결책으로 물리적 ‘혁명’을 이야기하던 시대는 지나갔다. 이미 이 체제의 맛을 본 사람들은 더 이상의 혼란을 원하지 않는 게 현실이니까. 하지만 분명히 우리 주변에는 변화시켜야 할 것들, 고쳐나가야 할 부조리한 것들이 계속 남아 있다. 그리고 민주주의 속에서 당연히 누려야 할 기본권에 대해 시민들이 스스로의 목소리를 내는 것도 당연히 ‘국민의 의무’다. 얼마 전 새 앨범을 발표한 제이슨 므라즈(Jason Mraz)는 신곡 'The Freedom Song'에서 자신의 목소리를 내는 노래의 전형을 제시했다. 비스티 보이스는 당신이 ‘권리’를 얻기 위해서는 싸워야 한다고 말했고, 첨바왐바는 선술집에서 비록 오늘은 술을 들이키지만 우리의 의지는 꺾이지 않는다고 다짐했다. 디스터브드의 노래 제목처럼 ‘1만 명의 주먹’, 아니 ‘1만 명의 의지’가 모인다면, 세상은 분명 그 방향으로 조금씩 변화해 갈 것이라 믿는다. 

 

Category 2 : 권력의 남용에 분노하다

 

인간이 모여 사는 사회에서 ‘민주주의’라는 대원칙이 가장 이상적인 가치로 인정받고 적용되기 시작한 지 수 백년이 지났는데도, 다시 그 속에서 국민이 위탁한 ‘권력’의 힘이 때로는 남용되고, 심지어 그 위탁을 명한 국민에게 ‘억압’으로 다가오는 모습을 우리는 종종 목격한다. 그것이 정치권력이건, 경제 권력이건, 아니면 교육의 문제이건 그 모습은 대동소이하다. 심지어 그 억압 속에서 신음하고 아파하다 저항하는 이들이 어떤 상황에선 ‘억울한 죄인’으로 몰렸던 사례도 많다. 여기 그 분노를 핑크 플로이드는 아이들의 합창으로, 닥터 드레(Dr. Dre)와 이지 이(Eazy E)는 거친 욕설과 리듬으로, 퀸스라이크와 그린 데이는 강력한 록의 에너지로 그 분노를 표출했다.

 

Another Brick In the Wall Part.II - Pink Floyd  
F**K Tha Police - N.W.A.  
Ohio - Crosby, Stills, Nash & Young  
Empire - Queensryche
American Idiot - Green Day

 

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과거에는 ‘차별’이라는 단어는 신분/계급의 문제, 인종의 문제에서 발생하는 것으로 많은 이들은 생각했다. 특히 신분제도가 사라진 시대로 넘어왔어도 노예제도가 철폐된 지 200년이 넘어가는 현재까지 여전히 세계 여러 국가의 인종차별 문제는 많은 사건-사고를 낳았다. 남아프리카공화국의 인종 분리 정책이 철폐된 지 30년도 채 되지 않았다는 사실을 우리는 망각하고 있지 않은가. (여전히 여러 인종이 섞인 미국 사회에서는 보이지 않는 갈등 요인으로 남아있다.) 그 결과 격동의 20세기를 거치며 상당히 많은 노래들이 이 문제에 대한 의견을 피력하며 그런 의견을 음악으로 대변했다. 그 뿐만이 아니다. 세상이 더욱 복잡해지고 자본주의가 발달할수록 삶의 여러 가지 항목들에서 항상 ‘차별’의 문제는 현재진행형이다. 특히 그 ‘차별’과 함께 가해지는 스스로 우위에 있다고 여기는 자들의 (언어 또는 물리적) ‘폭력’은 때로는 주변에 의해 묵인되는 때도 많다. 트레이시 채프먼은 가정과 흑인 사회의 폭력을 보고도 수수방관하는 경찰을 조용한 목소리로 비판했으며, 디페시 모드 역시 (피부색과 성향이 다르다는 이유로) 소수자를 차별하는 시선에 자신의 목소리를 냈다. 출신 지역에 의한 편견은 결코 남의 나라 문제가 아니다. 모두 ‘평등한 인간, 국민’이라는 민주주의의 이념은 과연 어디로 간 걸까?

Black And White America - Lenny Kravitz  
Behind The Wall - Tracy Chapman  
People Are People - Depeche Mode
Southern Man - Neil Young

 

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 비록 인류의 역사는 끊임없는 전쟁의 연속이었던 것을 인정하지 않을 수는 없지만, 영토와 자원에 대한 국가들의 욕심, 그리고 과학기술의 발달을 통한 더 강력한 무기의 개발과 보급은 이제 핵폭탄 몇 개로 인류를 멸망시킬 수 있을 만큼의 위기를 세상에 가져왔다. 그리고 많은 전쟁 속에서 실제로 희생되는 이들은 바로 우리 주변의 아무 욕심 없는 이웃들이라는 인식의 깨달음은 더 이상 정치가와 자본가의 두뇌게임 속에 서로가 희생되고, 우리의 삶의 터전이 잿더미로 변하는 것을 원하지 않음을 여러 가지 예술적 표현 방식으로 구현하게 했다. 특히 베트남전이 진행되던 1960년대, 그리고 두 번의 이라크 전쟁이 있었던 1990년대와 2000년대에 팝 음악 씬에서는 반전, 그리고 반핵을 외치는 노래들이 특히 많이 만들어졌고, 대중에게 큰 반향을 얻었다. 그 가운데 몇 곡을 골라보았다. 우회적으로 표현했건, 직설적으로 표현했건, 모두 전쟁의 무용함을 역설한 곡들이다.

 

Imagine - A Perfect Circle  
The Unknown Soldier - The Doors  
For What It’s Worth - Buffalo Springfield  
Paint It Black - The Rolling Stones  
Land of Confusion - Genesis    

 

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# 위 글은 다음뮤직/100Beat 기획기사용으로 발송된 제 원고입니다.

향수병(Homesick)을 유발하는 'Slow Rock Track Top 5'

개인적인 일로 인하여 현재 필자는 미국 뉴저지 주에 한 달 정도의 일정으로 체류하고 있다. 운이 좋게도 이 지역에서는 뉴욕 시 맨해튼 지역과 철도와 버스로 근거리에 위치하고 있어서 (그것이 이번 외유의 기본 목적은 결코 아니었음에도) 음악 관련 글을 쓰는 사람으로서 꼭 챙겨봐야 할 뉴욕의 명소들, 미국 동부의 명소들을 열심히 다녀보고, 틈틈이 체크해 놓았던 아티스트들의 공연도 관람하고 있다. 이렇게 짧고 바쁜 일정이라 거의 '향수(鄕愁)'라는 것을 느끼지 못할 것 같은데도, 숙소에 돌아와 방 안에 홀로 있다 보면 어느새 한국에 두고 온 가족들, 특히 아내와 아들의 얼굴이 떠오른다. 낯선 땅, 낯선 사람들 속에서 생활하다보면 어느덧 익숙한 것들, 특히 고향(특히, 가정)에 대한 그리움이 밀려드는 것은 인간의 숙명인 것 같다.

그런데 생각해보면 대부분의 팝 아티스트들도 그와 비슷한 운명은 갖고 있다. 세계적 인기와 부, 명예를 얻는 것은 좋겠지만, 그 대가로 사랑하는 이들 곁을 한참 떠나 오랜 시간 투어에 매달려야 하는 신세이니까. 그래서 종종 팝 음악들 속에는 그들이 가진 고향에 대한 그리움을 담은 곡들이 참 많이 보인다. 그래서 오늘은 그 가운데 추천하고 싶은 곡들 5곡을 선정해 보았다. 개인적으로는 이 곡들은 오랜 기간 해외여행을 할 때는 아무리 애청곡이어도 플레이어 리스트에서 과감히 지울 것을 조언하고 싶다. 그 멜로디, 또는 가사를 곱씹을수록 더 두고 온 고향이, 사람들이 그리워 못 견딜 테니까.

1. Motley Crue - Home Sweet Home

1980년대에 항상 공화당 정치가들과 미국 보수 인사들의 공격 대상이었던 미국 주류 헤비메탈 아티스트들 가운데 항상 오지 오스본(Ozzy Osbourne) 선생님과 함께 선두를 차지했던 밴드인 머틀리 크루(Motley Crue)이지만, 로큰롤의 광란과 유희를 찬양하던 그들 역시 오랜 전미 투어를 하다보면 고향에 대한 그리움을 피할 수는 없었던 모양이다. 그렇기에 그들은 지금도 이들의 최고 헤비 록발라드로 회자되는 이 노래 속에서 고향과 가족에 대한 그리움을 다음과 같이 표현하고 있다. 빈스 닐(Vince Neil)의 퇴폐적 보이스가 이 곡만큼 애절하게 들릴 때는 참 흔치 않다.

"당신은 내가 몽상가라는 걸 알죠. 하지만 내 맘은 순수해요
 혈기에 차서 (고향을) 도망쳐야 했지만, 난 축 쳐져 돌아오진 않을 거에요
 일들이 잘 풀려나갈 때가 항상 그게 잘못되는 걸 말함은 아닐 거에요
 이 노래를 들어요, 그러면 당신은 결코 홀로 남겨진 것처럼 느끼진 않을 거에요
 당신 맘속에 데려다 줘요
 뼛속까지 날 느껴봐요
 하룻밤만 지나면 난 이 멀고도 험한 길에서 돌아올 테니까요
 난 집으로, 달콤한 내 집으로 돌아가는 중이에요."

2. Cinderella - Coming Home

1980년대 중반 본 조비(Bon Jovi)의 지원 사격 속에 데뷔하면서 싱글 'Nobody's Fool'로 세계를 평정했던 신데렐라(Cinderella)는 비록 그들을 밀어주었던 선배들과 달리 빠른 전성기를 소모하고 단명했지만, 1980년대 팝 메탈 밴드 가운데 가장 루츠-컨트리적 감성을 많이 그들의 음악 속에 담아내면서 개성을 표출했던 팀이었다. 그 어느 팀 못지않게 1990년대 초반 수도권 영상 음악 감상실의 리퀘스트를 평정했던 그들의 트랙들 가운데 이 곡만큼 제목부터 끈끈하게 향수병을 자극하는 곡도 드물다. 리드 보컬리스트 톰 키퍼(Tom Keifer)의 강력한 허스키 보이스도 구성지게 들리지만, 어쿠스틱 기타가 중심이 된 컨트리 풍 하드 록 사운드는 듣는 이를 한 순간 광활한 미국의 고속도로를 달려 고향으로 돌아가는 상상을 하게 만든다. 그러나 이 곡의 가사에서 정확히 언급되는 이들의 '고향'은 물리적인 장소라기보다 사랑하는 여성의 따뜻한 품이라고 정의해야 맞다.

"난 세상이라는 경주에 올라 타 평생 동안 빙글빙글 돌아다닐 팔자이지만
 난 당신의 심장이 뛰는 것을 느껴요
 그것이 가끔 칼에 배이듯 아픔으로 다가와요
 당신은 내 사랑을 견딜 만큼 강한가요?
 그냥 하늘 위를 향해 눈을 감아요
 난 고향으로 돌아가고 있으니까…."      

3. Ozzy Osbourne - Mama, I'm Coming Home

당시에는 뮤지션으로서 '은퇴 선언(?)'까지 하며 발표했던 오지 오스본의 1990년대 걸작 앨범 [No More Tears]의 대표적 슬로우 록 트랙. 오지 오스본의 보이스가 담긴 발라드의 걸작들은 블랙 사바스(Black Sabbath) 시절부터 현재까지 수 없이 많지만, 오지가 솔로 활동 시대로 접어든 이후 랜디 로즈(Randy Rhodes)와의 조합 이후 가장 스스로 만족했던 기타리스트 잭 와일드(Zakk Wylde)와의 결합으로 완성한 곡들 가운데 이 곡이 주는 감흥은 남다르다. 그런데, 이 곡에서 오지가 갖는 고향에 대한, 가정에 대한 감정은 사실 '애증'이다. 마치 부모와의 갈등으로 집을 떠나 한참동안 방황하다 다시 고향을 찾는 탕자의 마음이라고 할까? 그는 자신의 감정을 숨기지 않는다.

"이기적인 사랑 속에 우린 둘 다 혼자였고
 추락 직전으로 질주하고 있었죠
 하지만 난 이 굳은 마음을 지켜갈 거에요, 모두 다 가져갈 거에요
 당신의 얼굴을 수백 번도 더 봤지만
 매일 매일 우리는 헤어진 거나 마찬가지였어요
 난 밝은 미래는 상관하지 않아요
 왜냐면, 어머니, 난 이제 집에 가고 있으니까요."

4. Daughtry - Home

[아메리칸 아이돌]이 탄생시킨 스타들 가운데 크리스 도트리(Chris Daughtry)처럼 로커로서의 자신의 자질을 대중적으로 충실하게 어필하는 아티스트도 참 드물다. 비록 그의 밴드 도트리가 현재까지 발표한 두 장의 앨범들이 모두 주류 작곡가들과의 합작들로 구성된 철저히 상업 지향적인 작품들로 구성된 것은 사실이며, 그의 보컬이 항상 니켈백(Nickelback)의 채드 크로거(Chad Kroeger)와 비교되는 덕을 본 것도 일면 타당하다. 하지만 그만큼 그가 현재 미국 대중이 원하는 주류 록 음악의 특징을 잘 보여주는 것도 분명하다. 미국 주류 FM 채널에서는 지금도 어디를 틀어도 다른 댄스 팝 트랙들과 함께 그의 음악이 흘러나오는 것이 이를 증명한다. 개인적으로 그의 음악들 가운데 가장 맘에 드는 슬로우 록 트랙인 이 곡은 당시 다분히 공식화된 전개를 갖고 있음에도 들을 때마다 차분하게 마음을 다독이는 묘한 힘을 갖고 있다. 마치 지금은 여행(또는 방황)을 하고 있지만, 언젠가 난 그리운 집으로, 고향으로 돌아갈 거라는 희망을 담은 느낌으로.

"그래요, 난 집으로 가고 있어요. 내가 속했던 곳으로 다시 돌아가요
 당신의 사랑만으로 내겐 충분했던 그 곳으로
 난 도망친 건 아니었어요. 그건 당신의 오해였죠
 나를 위해 선택했던 이 삶을 후회하진 않지만
 이곳, 그리고 사람들의 얼굴들은 점점 퇴색되어가네요
 그래서 난 집으로 돌아가요."

5. Hinder - Far From Home

사실 힌더(Hinder)는 주류에서 히트하는 포스트 그런지/하드 록 밴드이긴 하나 국내에서나 해외에서나 평론가들에게 크게 환영받는 록 밴드는 아니다. 그러나 개인적으로 이 밴드의 음악에 관심을 기울이는 이유 가운데 하나는 이들이 지난 앨범 [Take It to the Limit](2008)에서 1980년대 LA 메탈에 대한 진한 향수를 나름 잘 담아냈었기 때문이다. 특히 이 앨범의 맨 마지막을 장식하고 있는 슬픈 슬로우 헤비 록 트랙인 이 곡은 싱글로 발표된 적은 없으나 애절한 곡의 분위기와 가사 때문에 과감히 이 리스트에 포함시켰다. 자신의 문제(이 곡에서는 알코올과 약물 중독으로 묘사된다. 그들이 LA 메탈에 얼마나 경도되어 있나 확인할 수 있는 부분이기도 하다) 때문에 집으로 돌아가지 못함을 선택한 남자의 비장한 슬픔이 담긴 곡.

 "난 당신이 사랑을 떠나보내는 게 어떤 것인지 결코 모르길 바래요 
 당신이 알고 있었던 모든 걸 집에 남겨놓은 채
 난 전화로는 이 상황을 해결할 수 없어요
 당신을 홀로 놔두어 미안해요 내가 말한 대로,
 ‘당신은 내가 없는 게 더 나아요. 미안하다고 말하는 것도 지쳤어요.’
 집으로부터 너무 멀리 떨어졌네요."

 

2011년 새해가 밝았습니다. 새해 복 많이들 받으시고, 연초 첫 번째 포스팅은 2010년 세계 연말 차트들을 한 번 정리해 보겠습니다. 가장 먼저 미국 빌보드 연말 차트부터 가야죠? 이번 빌보드 연말차트를 개재한 12월 18일 잡지의 제목이 'Why Pop Rules?' 라고 쓰여져 있을 정도로 2010년 미국 팝 차트는 그야말로 '클럽과 라디오용 팝송의 득세'라고 말 할 수 있을 것 같습니다. 록 밴드들이 차트에서 설 자리가 생각보다 없었다는 것은 결국 록 전문 라디오 방송국들이 줄어들었다는 것을 의미합니다. 이제 판매량이야 어차피 다운로드 중심이기는 서로 마찬가지이니까요. 그 속에 트레인의 <Hey Soul Sister>가 3위로 버티고 서 있는게 신기하지만, 이 곡은 거의 포크 컨트리 록에 가깝죠. 케샤의 노래가 4곡이나 100위권 안에 들어있다는 것만으로도 이 차트에 대한 설명은 끝나는 셈이죠? 과연 이러한 대중적 사운드의 기세가 2011년에도 계속 이어질 지 한 번 지켜봐야 할 것 같네요.

사실 먼저 발매된 신곡 <Can't You See>를 그래도 (가창력의 한계와 상관없이) 긍정적으로 들었기에 과연 메인 곡 <Queen>은 어떨까 싶었는데... 나오자마자 뮤비 표절은 물론, 노래 분위기까지 자신의 롤 모델(?) 효리 여사의 전철을 그대로 밟을 소지가 농후함이 느껴진다. 이미 비교 동영상이 인터넷에 돌고 있긴 하지만, 작곡자가 아예 대놓고 의도했음이 보인다. 헐... 케샤(Kesha)와 카일리 미노그(Kylie Minogue) 여사께서 뭐라고 하실라나? 점점 이렇게 칵테일 기술만 진보하면 어쩌남??
 

평소에 가끔씩 가요 리뷰 웹진 '보다'를 구경간다. 가슴 출신 리뷰어들이 옮겨와 자신들의 공간을 만들었는데, 여기서도 너무 '인디자랑'을 하는 건 맘에 안들긴 하지만, 그냥 새 음반들에 대해 얘네들이 뭐라고 하는지만 읽기 위해 간다. (물론 그 와중에 시와의 인터뷰 같은 괜찮은 정보도 건지긴 했지만.) 그런데, 어제 밤에 오랜만에 들어갔다가, 충격적인 '댓글놀이'(?)를 발견했다. 평론가들과 뮤지션들간의 의견 대립과 논쟁이야 로큰롤이 시작된 이후 어디 하루 이틀 일이겠냐마는... 문제는 ... 그가 과연 적절한 방식으로 논쟁을 걸었는가이다. 자기 입으로도 밝혔지만, 이는 술취해서 버럭! 한 것밖에 안되는 댓글 아닌가. 결국 달빛요정은 재미있게 끌고 갈 수도 있는 자신의 음악에 대한 논쟁을 스스로 망쳐버렸다. 자신이 좋아하지 않는 음악을 계속 하는 뮤지션에게 '니 음악 듣기 싫어, 짜증나' 라는 취향적 비호감의 발현를 현학적 문구로 에둘러 말하며 '음악적 비판' 이라고 포장하는 평론가들도 맘에 안들긴 마찬가지이지만, 이렇게 비이성적으로 덤비는 뮤지션도 과연 정상일까? 결국 술이 웬수인걸까?


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